Insistimos en la idea de lo mejor es que de muestra haya un botón. Por eso, no sólo para dar a conocer a alguno de los artistas que vienen a Córdoba sino también para abrir boca sobre el próximo Festival de la Guitarra 2023, que se celebrará en la capital cordobesa del 6 al 15 de julio, Córdoba Hoy te ofrece una playlist elaborada por Jesús Blanco Montero, con 46 temas (2 horas y 45 minutos) de los artistas que van a estar este año en este encuentro de las seis cuerdas.
Y tampoco está de más recordar (porque ya se conocen) los nombres propias del Festival en su XLII (42) edición y sus escenarios:
Gran Teatro.
ESTÉVEZ / PAÑOS Y COMPAÑÍA (7 de julio)
La Confluencia, es un proyecto que tiene como objetivo la creación coreográfica desde un lenguaje de baile flamenco actual que se alimenta de su pasado y de su raíz y también del arte contemporáneo. Un baile flamenco que es hijo del tiempo que estamos viviendo… Ocho hombres, ocho perfiles muy concretos que a través de la música y el baile encarnarán al flamenco, al campesino, al bolero, al gitano, al bailaor, al cantaor, al pregonero, al majo, al manolo, al esclavo, al converso, al huido, al guitarrista, al barbero, al preflamenco, al montañés, al americano, al andaluz, al hombre… al hombre contemporáneo.
GUSTAVO SANTAOLALLA (8 de julio)
Gustavo Santaolalla es uno de los más reconocidos músicos argentinos a nivel mundial y galardonado, entre muchos otros premios, con dos Óscar por las bandas sonoras de 'Brokeback Mountain' y 'Babel'.
Compositor, productor, multi-instrumentalista, líder de banda, autor, empresario discográfico e historiador, su diversa actividad musical comenzó en los años 60 y todavía continúa.
Ha compuesto bandas sonoras para películas y series como 'Amores Perros', '21 Gramos', 'Babel' y 'Biutiful' (Alejandro González Iñárritu), 'Diarios de Motocicleta' y 'On the Road' (Walter Salles), 'Deadwood”'(HBO), 'El Cid' (Amazon), 'Finch' (Apple tv), 'Monsterland' (Hulu), 'Narcos Mexico' (Netflix), 'El libro de la vida' y 'Maya y los Tres' (Jorge Gutierrez) y 'La Casa' (Netflix), entre otras.
En 2020 produjo 'Rompan Todo', la miniserie de Netflix sobre la historia del Rock latinoamericano, género del que Santaolalla es considerado un icono. Ha formado parte de bandas seminales como Arco Iris y Soluna, y producido más de 100 álbums de algunas de las bandas y artistas de más renombre en Latinoamérica en las últimas décadas, como Café Tacvba, Julieta Venegas, Molotov, Juana Molina y Juanes, como también ha trabajado con Antonio Carmona y hoy son grandes amigos.
Gustavo Santaolalla también compuso la música del célebre videojuego 'The Last of Us', ganador de más de 200 premios, incluido 'Juego del Año' de los BAFTA. Recientemente Neil Druckmann, creador y director de la saga, invitó a Santaolalla a componer la música de la serie de HBO basada en el juego. Con Druckmann y Craig Mazin al frente de la serie, 'The Last of Us' se estrenó en enero de 2023 recibiendo excelentes críticas tanto de los medio especializados como de los jugadores.
CARLOS VARELA (9 de julio)
Carlos Valera es uno de los cantautores más destacados de la Nueva Trova cubana, que ha mantenido una obra de referencia dentro de la historia de la música cubana, con la que ha abordado de una manera crítica, pero al mismo tiempo poética, los conflictos que se viven en su país. Ha acompañado en sus giras a destacados artistas cubanos, como Silvio Rodríguez y su gran amigo Pablo Milanés.
Su último trabajo, 'El grito Mudo', hace una denuncia al acoso juvenil, inspirado en la desgarradora historia de Lucía, una joven de 13 años que, cansada de sufrir acoso escolar, expresó en un dibujo cómo se quería suicidar. 'El grito mudo' es su noveno álbum, con 12 composiciones creadas desde su mirada universal. Son temas profundos, filosóficos y emocionantes y otros, como 'El bostezo de la espera', hacen referencia a los problemas que sufren los cubanos.
Varela es el autor de temas emblemáticos como 'Habáname', 'Muros y Puertas', 'Como los peces', 'Jalisco Park' o 'La Feria de los Tontos'. Algunas de sus canciones han sido interpretadas por grandes músicos, como Jackson Browne, Joaquín Sabina, Joan Manuel Serrat, Ana Belén, Miguel Bosé, Rufus Wainwright, Ana Torroja y Pablo Milanés.
Llegó a España en 1994 de la mano de Joaquín Sabina, para grabar en Madrid su disco 'Como los peces', un trabajo con el que ganó el Premio Ondas de la Música al Mejor Artista Revelación Latino, en 1995. Ese año, compuso junto a Sabina la canción 'Tan joven y tan viejo', para el disco 'Yo me mi contigo' y con Serrat grabó un tema para su trabajo 'Serrat eres único', junto a conocidos intérpretes españoles.
En 2004, Carlos Varela realizó una gira junto al músico norteamericano Jackson Browne, por distintos países de Europa. Ese mismo año, el director mexicano Alejandro Gonzales Iñarritu, escogió su canción 'Una palabra', para su corto 'The Hire Powderkeg'. El mismo tema fue seleccionado por el director norteamericano, Tony Scott, para la escena final de la película 'Mano on Fire', protagonizada por Denzel Washington, Christopher Walken, Marc Anthony y Dakota Fanning. Esta balada se convirtió en la canción más versionada, en varios idiomas y ha sido interpretada por músicos de distintas nacionalidades.
SILVIA PÉREZ CRUZ (10 de julio)
"Aterrados
buscan una flor familiar donde guarecerse
y les asusta la inmensidad del campo".
William Carlos Williams
Empecé a componer este nuevo trabajo el día 21 de marzo de 2020. Lo grabé durante un año en varias ciudades: Barcelona, Pontós, Madrid, Jerez, Buenos Aires, Coatepec (México) y La Habana . Durante la creación de 'Género imposible' (2020-2022) Elena Córdoba me enseñó este precioso poema de William Carlos Williams que vertebró ese espectáculo, este disco y mi vida entera. Ordenar la inmensidad flor a flor.
Cuando tenía 18 años me contaron que un samuray antes de hacerse el harakiri dibujó un haikú en forma de círculo. Dibujé y guardé durante años este círculo, esta portada; Ese trazo maravilloso simboliza muchas cosas: El alma, el cuerpo, sin principio, sin fin, equilibrio, sencillez...
Un disco.
Un concierto.
Como una vida entera.
Como un día.
De sol a sol.
Circular
Toda la vida, un día.
5 movimientos.
5 edades.
5 colores.
Es un trabajo que nace de la soledad con voluntad de unir soledades: de ahí la contraposición de la intimidad de una voz y una guitarra con el coro.
El canto compartido, la disolución del yo, la salvación.
Me gusta imaginar que aquí el coro son todos ustedes. Cantemos.
MARCUS MILLER (11 de julio)
Marcus Miller ha sido calificado como uno de los artistas más influyentes de nuestro tiempo. En la cima de su carrera durante más de 30 años, ha sido dos veces ganador del premio Grammy (EEUU), ganador del premio Edison 2013 a la trayectoria en el Jazz (Holanda), ganador del premio Victoire du Jazz 2010 (Francia) y en 2013, fue nombrado Artista por la Paz de la Unesco. Su sonido de bajo característico se puede escuchar en un catálogo ilimitado de éxitos musicales desde 'Just The Two Of Us' de Bill Wither, hasta 'Never Too Much' de Luther Vandross, hasta canciones de Chaka Khan, David Sanborn, Herbie Hancock, Eric Clapton, Aretha Franklin, George Benson, Elton John y Bryan Ferry, por nombrar algunos. Con su estilo distintivo, una combinación única de funk, groove, soul y habilidades técnicas puras, Miller ha sido mencionado como uno de los bajistas más importantes del jazz, el R&B, la fusión y el soul. Bass Player Magazine lo incluye en su lista de los diez jazzistas más influyentes de esta generación.
Además de estos aspectos destacados de su carrera, Miller tiene un currículum rico y muy profundo de colaboraciones sobresalientes, que incluyen una asociación de producción y composición de canciones de 15 años con Luther Vandross, lo que resultó en 13 álbumes de ventas de platino consecutivos, de los cuales Miller produjo 7, y un doble Ganador del Grammy en 1992 – por el álbum de ventas de doble platino Power Of Love/Love Power ganando 'Mejor R&B Vocal' así como 'Mejor R&B Canción'. Fue el último álbum de R&B #1 durante 12 años antes de que el mega cross-over pop de Vandross hiciera Dance With My Father en 2001.
Miller también dejó una huella imborrable en las carreras de artistas tan variados y talentosos como David Sanborn, Roberta Flack, Aretha Franklin, Chaka Khan, Al Jarreau, Bob James, Lalah Hathaway y Wayne Shorter. Más notable, después de varios años de gira con la banda de Miles Davis a principios de los 80, Miller desarrolló una estrecha relación profesional y personal con Davis que lo llevó a colaborar en tres álbumes aclamados por la crítica, siendo el más famoso el álbum innovador y el título canción Tutu, convirtiendo a Miller en el último productor principal, arreglista y compositor de esta gran leyenda del jazz. El álbum y la canción principal, que Miller compuso, produjo, arregló e interpretó, es ampliamente considerado como una adición significativa al canon de la música de jazz contemporánea. El álbum no solo ganó dos premios Grammy, sino que se considera uno de los álbumes definitivos de Miles Davis de nuestro tiempo.
La mayoría de los aficionados a Miller saben que, como compositor, Miller tiene una lista interminable de créditos de cine y televisión a su nombre. Miller pasó de escribir el megaéxito go-go ‘Da Butt’ para la película School Daze de Spike Lee de 1988 a convertirse en el compositor de referencia de más de 20 películas urbanas importantes. Sus bandas sonoras incluyen el clásico de culto House Party (feat. Kid 'N Play – 1990); la película clásica de Eddie Murphy/Halle Berry Boomerang (1992); Por encima del borde (hazaña. Tupac Shakur y Marlon Wayans -1994); Two Can Play That Game (hazaña. Vivica Fox, Gabrielle Union, Morris Chestnut y Anthony Anderson – 2001); Esta Navidad (hazaña. Idris Elba y Chris Brown – 2007); el clásico de culto de Chris Rock Good Hair (2009); y About Last Night (con Kevin Hart y Regina Bell – 2014). Marcus también proporcionó la música para la exitosa serie de televisión semanal Everybody Hates Chris, actualmente en distribución.
Más recientemente, Miller compuso la música para la película nominada al Oscar Marshall (2017) dirigida por Reginald Hudlin y protagonizada por Chadwick Boseman como un joven Thurgood Marshall y el actor ganador del premio Emmy Sterling Brown de la exitosa serie de televisión This Is Us. La película fue ganadora del premio del Festival Internacional de Cine de Chicago 2017; el Premio de Críticos de Cine Afroamericanos de 2017; el Premio del Festival de Cine de Hollywood de 2017, y también fue nominado a los premios Image y Critics Choice de 2017, y recibió cinco nominaciones a los premios NAACP Image.
Como si eso no fuera suficiente, Miller también transmite dos programas de radio semanales, uno en los EE. UU. y el otro en el Reino Unido. Jazz con Marcus Miller en MillerTime (cariñosamente conocido como The Marcus Party por los fanáticos) se transmite todos los domingos en SiriusXM. El programa de radio de Miller en Londres se llama TransAtlantic Jazz With Marcus Miller y se transmite todos los miércoles en Jazz FM en el Reino Unido. Miller también es el presentador anual y el artista principal en múltiples cruceros de jazz cada año ofrecidos por Entertainment Cruise Productions, incluido el muy popular crucero de jazz Blue Note At Sea, así como el Smooth Jazz Cruise, todos los cuales se agotan cada año.
Además de todo esto, Miller ha sido un artista prolífico y líder de banda por derecho propio durante más de 20 años, habiendo lanzado más de una docena de álbumes bajo su nombre. Miller realiza extensas giras por todo el mundo con una banda de jóvenes músicos talentosos, tal vez recordando al público a cierto Miles Davis que hizo lo mismo por Miller y otros jóvenes músicos como Herbie Hancock y Wayne Shorter.
Miller es el intérprete/compositor/productor y arreglista de diez proyectos en solitario aclamados por la crítica, entre ellos The Sun Don’t Lie (con Miles Davis, Herbie Hancock y Wayne Shorter); Tales (con Me’Shell NdegéOcello y Q-Tip) Silver Rain (con el artista invitado Eric Clapton) Free (con Corinne Bailey Rae); A Night In Monte Carlo (con la Orquesta Filarmónica de Monte Carlo) y Renaissance (2012). Su álbum M2 ganó el premio Grammy al mejor álbum de jazz contemporáneo en 2001.
En 2015, Miller lanzó Afrodeezia, un álbum inspirado en su papel como portavoz de la Unesco para el Proyecto Rutas del Esclavo. Para ese álbum, Miller incorporó influencias musicales de países a lo largo del paso de la ruta de los esclavos en el Atlántico, colaborando con músicos de África Occidental, África del Norte, América del Sur y el Caribe. El álbum obtuvo una nominación al Grammy en 2016 como Mejor Álbum de Jazz Contemporáneo y Miller realizó más de 250 espectáculos con entradas agotadas en todo el mundo detrás del lanzamiento del álbum.
El último proyecto de Miller, el álbum que desafía el género Laid Black, trae la historia del viaje de Afrodeezia «a casa», donde encontramos a Miller incorporando elementos urbanos más modernos a su música, desde trap, hiphop, R&B hasta evangelio. De esta música, Miller dice: “Después de Afrodeezia, donde viajé mucho por todo el mundo, pensé que sería genial incorporar a la mezcla algunas de las influencias de nuestro tiempo que escuchaba aquí en casa. Mi banda y los artistas invitados que recluté para colaborar en este álbum son lo suficientemente versátiles como para tocar música que va desde el be-bop hasta el hip-hop. Eso hizo que la mezcla musical que quería lograr en este álbum fuera muy posible”.
Cualquiera que haya escuchado la música de Miller o experimentado los conciertos de Miller en vivo, sabe que vivirá una gran experiencia con el nuevo álbum. El poderoso bajo Jazz/Funk de Miller está en plena vigencia con esta música, empujando los límites y llevando el Jazz a nuevos niveles. Miller, junto con su increíble grupo de jóvenes talentos, seguramente emocionará, desafiará y transportará al público.
En el álbum, Laid Black, cuentó con actuaciones especiales de Trombone Shorty, Kirk Whalum, Patches Stewart, Take 6, Jonathan Butler y la vocalista invitada Selah Sue. Laid Black seguramente emocionará y regocijará a los fanáticos de Miller y ayudará a continuar impulsando a Miller al estado de superestrella mundial de maestro de la fusión, el Funk, el Soul y el Jazz!
ZENET (12 de julio)
En 'La estación del momento' Zenet experimenta con una nueva paleta de colores, sin dejar de ser el mismo integra la electrónica al servicio de su estilo. De una forma natural, sin sentirse forzada, convive perfectamente con sus referencias del Jazz y el R&B. En la producción musical colabora con Kumar Sublevao Beat; músico cubano con raíces en el Hip Hop, que se encarga de acompañarle en esta aventura.
Dueño de un estilo único y una voz reconocible, como sólo son reconocibles los artistas especiales, Zenet hace suyo todos los géneros que aborda. En este nuevo trabajo, que verá la luz el próximo mes de mayo bajo el título 'La Estación del momento' experimenta con una nueva paleta de colores; sin dejar de ser el mismo, integra la electrónica al servicio de su estilo. En este concierto no faltarán sus grandes éxitos acompañado de un elenco de músicos de auténtico lujo.
COTI (13 de julio)
Cantante, músico, compositor y autor de joyas del Rock en hispano.
Se hizo grande en el mundo de la canción por la popularidad y repercusión de sus canciones. Con 11 discos editados como solista y siendo un reconocido productor mundial, Coti tiene entre sus temas más conocidos 'Nada fue un error', 'Otra vez', 'Antes que ver el sol', 'Días', 'Canción de Adiós' o 'Luz de Día'. En directo suma temas compuestos para otros y artistas grabados en su disco 'Lo Dije por boca de otro', 'Dónde están corazón' (Enrique Iglesias), 'Andar Conmigo' y 'Lento' (Julieta Venegas), 'Te quise tanto' (Paulina Rubio) y la conocida 'Color Esperanza' (Diego Torres), un himno en todo el planeta.
Ha obtenido galardones de Discos de Oro, Platino y Doble Platino en España, Argentina, México y Colombia. Dos veces ganador de premio Grammy, Premio Ondas en España, Permio Gardel en Argentina y Oye en México, 12 premios Ascap en USA y número uno en Billboard con varias de sus canciones.
Llega al Festival de la Guitarra de Córdoba con un espectáculo diferente en el que mezcla su concierto con banda eléctrica y el trío de cuerda que le acompaña en su espectáculo Cercanías y Confidencias. Sin duda en este concierto se podrá disfrutar del artista en todas sus facetas.
ISRAEL FERNÁNDEZ (14 de julio)
La tradición y la vanguardia están presentes en 'Pura Sangre', título del concierto del joven cantaor Israel Fernández, su obra más personal. Un trabajo introspectivo en el que Israel descubre su manera de sentir y relacionarse con su universo más cercano: La familia, la cultura gitana, el amor, la naturaleza, los valores humanos y su yo más profundo. Israel compone cada una de las letras y melodías que conforman los cantes. Lo hace desde esa base firme y amplia en registros que hereda de la tradición y a la que aporta la creatividad con la que lleva deslumbrando al mundo del flamenco, tanto en sus grabaciones como en sus directos. Le acompaña en este proyecto el jerezano 'Diego del Morao', uno de los guitarristas más influyentes en la actualidad. Carisma, talento y frescura caracterizan a esta pareja icónica en el ámbito del flamenco.
SUSANA BACA (15 de julio)
Llegar a los 76 años de edad, es tomar el tiempo en tus manos, es ya no pensar en la complacencia de agradar al otro, sino pensar en lo que amas y decirlo sin contemplaciones... A los 76 años se mira el mundo con otra luz y es esto, lo que contiene este disco.
La selección de las 10 canciones que están grabadas, casi todas, premonitoriamente a este tiempo doloroso que vive nuestra humanidad, junta la música que hay en mí desde mis raíces, con las palabras urgentes, este álbum es una verdad madurada y acariciada.
En este disco, mezclo la esperanza y la denuncia, con los músicos, hacemos que nuestros sonidos sean la música de siempre, pero nueva. Este disco es la renovación musical de una tradición, pero entendida con el corazón de todos los que participaron con todo su talento.
Palabras Urgentes, son muchas verdades. Michael League en la producción musical, hace que este disco tenga propuestas y desafíos. Mi espíritu pone lo demás.
Ojalá que la gente que escuche este disco, sienta el amor a la vida y también el amor a la verdad de vivir.
Teatro Góngora
ÁLVARO TOSCANO (7 de julio)La calidad del guitarrista cordobés Álvaro Toscano ha sido demostrada por más de veinte premios internacionales a lo largo de su carrera, incluyendo primeros premios en el 49 Concurso Internacional de Guitarra Fernando Sor (España), 96 Concurso Permanente de Juventudes Musicales de España, Concurso Internacional Ciudad de Guimaraes (Portugal) y Changsha International Guitar Festival (China), entre otros. Además, ha recibido numerosos premios del público que reflejan su increíble habilidad para comunicarse a través de la música. Álvaro Toscano cuenta con un amplio repertorio, tocando música desde el Renacimiento hasta las composiciones más recientes. Ha tocado como solista con importantes orquestas Y ofrecido más de 80 recitales en lugares de Europa y Estados Unidos.
El infinito contenido en una sabida orilla próxima.
su programa se desarrolla a orillas del Mediterráneo, mar donde ya apuntaba Gaudí que la luz perfilaba las cosas de una manera particular. Da comienzo con la Fantasía op. 30 de Fernando Sor, a priori clásica, pero donde ya se pueden vislumbrar matices de la guitarra romántica por venir.
Continua el recorrido con los cantos valencianos (albaes) de Vicente Asencio y la energía de Manuel de Falla a través de la mirada de Joaquín Rodrigo.
Más allá -en ruta y en sonoridad-, las armonías inspiradoras y etéreas de Marco Smaili, para terminar con la música del catalán Isaac Albéniz, donde cierra el círculo de la mediterraneidad en su recreación del Albaicín de Granada.
MANUEL BARRUECO (8 de julio)
El mítico Manuel Barrueco es reconocido internacionalmente como uno de los guitarristas más importantes de nuestro tiempo. Su arte único ha sido descrito como el de un excelente instrumentista y un músico superior y elegante, que posee un sonido seductor y un lirismo fuera de lo común. Barrueco ha dedicado su carrera a llevar la guitarra a los centros musicales más importantes del mundo. Durante tres décadas de conciertos, en EEUU ha actuado de un extremo al otro del país. Desde Miami con la New World Symphony hasta la Sinfónica de Seattle, y desde el Hollywood Bowl con la Filarmónica de Los Ángeles, hasta las salas más importantes de Nueva York; y sus giras internacionales lo han llevado a las más importantes del mundo. Su interés por la música contemporánea y su dedicación a contribuir a la ampliación del repertorio para guitarra, lo ha llevado a colaborar con compositores tan prestigiosos como Steven Stucky, Michael Daugherty, Roberto Sierra, Arvo Pärt, Gabriela Lena Frank, Jonathan Leshnoff, Dmitry Yanov-Yanovsky y Toru Takemitsu.
ROSARIO LA TREMENDITA (9 de julio)
TREMENDA. Principio y Origen, se concibe como un todo que va desde la contemporaneidad a la raíz y desde la raíz a la contemporaneidad. Desde los sintetizadores y el bajo dominante, hacia el cante tradicional y los sonidos desnudos. Desde las letras tradicionales a las contemporáneas y vanguardistas, libres y sin corsé. Un viaje desde hoy hasta ayer, a través de una superficie sonora contemporánea que camina entre la electrónica, el funk, el jazz y lo experimental, hasta la tierra y hasta las manos que la buscan. Desde la tradición hacia la innovación, bajo una libertad creadora en constante búsqueda experimental, que parte de su faceta más multiinstrumental. Dos mundos que son uno. Con ello y por ello, la Tremendita viene más tremenda que nunca. Y más pura que la heroína.
DAVID RUSSELL (10 de Julio)
Ganador del premio GRAMMY por su CD AIRE LATINO en la categoría de mejor solista instrumental de música clásica. Doctorado Honoris Causa en Música por la Universidad de Arizona en Tucson en 2014. Incluido en el Salón de la Fama de la Guitar Foundation of America en 2018. El guitarrista clásico David Russell es reconocido mundialmente por su excelente maestría musical y su arte inspirador, y se ha ganado los más altos elogios tanto del público como de la crítica.
GABACHO MAROC (11 de julio)
Gabacho Maroc se ha presentado en los escenarios de más de 200 festivales en África, Europa, Asia y América del Sur. Su estilo original ha dado mucho de qué hablar a la crítica, quizás quien lo ha resumido muy bien es Patrick Duval, director del Festival Hauts des Garonne (Festival de los Altos de Garonne), quien describe la música de Gabacho Maroc: «El diálogo entre los instrumentos occidentales, orientales y africanos raramente se ha abordado de una manera tan bella. Tomando prestados aspectos de la música del mundo, el jazz y la música tradicional Gnawa, su repertorio es variado, fino y refinado. Este proyecto con horizontes interminables ayuda a revivir el concepto de fusión.”
El primer álbum de Gabacho Maroc titulado Bissara, lanzado bajo el sello Oued en 2014, le valió al grupo una nominación a los African Music Awards de 2015. El sencillo “Moussaoui” rápidamente alcanzó 50 mil vistas en Youtube y fue seleccionado por el sello inglés World Music Network para su compilación de cd’s «Rougue Guide«, guía en las que exponen lo mejor de la música del mundo, para su edición 2015 titulada The Best Arabic Music You’ve Never Heard (Lo mejor de la música árabe que nunca has escuchado). En enero de 2018, Gabacho Maroc lanza su segundo álbum titulado Tawassol, que significa conexión en árabe, bajo el sello 10h10 del Grupo Cristal y distribuido por Sony. Para este disco no se hace esperar la participación de invitados especiales. El disco integra colaboraciones con Pascuala Ilabaca (Chile), Jean-Philippe Rykiel (Francia), Michel Ducau (País Vasco), y Ermanno Panta (Italia). Ha sido aclamado de manera unánime por la prensa francesa (Télérama, M&C Le Son du Monde, Batteur Magazine, y las emisoras de radio Europe 1, France Inter, FIP, RFI), El álbum Tawassol también ha cosechado elogios de críticos de toda Europa y el extranjero. El ranking Transglobal World Music Chart destacó a Tawassol como el mejor álbum de música del mundo en marzo de 2018.
El mestizaje único de géneros de Gabacho Maroc se manifiesta como un impresionante panorama sonoro.
ANA VIDOVIC (12 de julio)
Ana Vidovic es una joven y virtuosa guitarrista croata. Nació el 8 de noviembre de 1980 en Karlovac, una provincia cercana a Zagreb, Croacia. Comenzó a tocar la guitarra a la edad de 5 años, inspirada por su hermano Viktor. Con tan sólo 13 años se convertiría en la estudiante más joven en asistir a la prestigiosa Academia Nacional Musical en Zagreb, donde fue instruida por el profesor Istvan Romer. La gran reputación de Vidovic en Europa, conllevó a que recibiera una invitación para estudiar en el Conservatorio Peabody en Baltimore, Estados Unidos, graduándose en mayo de 2003.
Vidovic ha ganado un gran número de premios en certámenes internacionales. Entre ellos figuran primeros premios en el Concurso Internacional Albert Augustine, en Bath,Inglaterra; el Concurso Internacional Fernando Sor en Roma, Italia; y el Concurso Internacional de Guitarra Francisco Tárrega en Benicasim, España. Ha conseguido otros primeros premios entrelos que se incluyen el Concurso Eurovisión para Jóvenes Artistas; el premio Enrico Mercatali otorgado por el Centro Guitarrístico Mauro Giuliani en Italia, el Concurso Internacional Printemps de la Guitarra en Bélgica, y la Audición Internacional de Jóvenes Artistas en Nueva York.
Su carrera internacional incluye recitales en Londres, París, Viena, Salzburgo, Roma, Budapest, China, Varsovia, Tel Aviv, Oslo, Copenhague, Toronto, Baltimore, San Francisco, Knoxville, Houston, Austin, Dallas, St Louis, Yakarta, y Caracas.
JUAN GÓMEZ ‘CHICUELO’ (13 de julio)
El toque puro de 'Chicuelo', la delicada batería de David Gómez y el virtuoso violoncelo de Martín Meléndez envuelven el baile de Karen Lugo que, a su vez, arroja nuevas formas bailando sobre el más mínimo susurro. Sin cante, cajón o palmas, el repertorio de Caminos está hecho de historias con ritmos flamencos. Desde una nana a un homenaje a Djiango Reinhart, las alegrías se transforman con el violoncelo de Meléndez y las bulerías con la batería de Gómez. El espectáculo une frescura, fuerza y arte, y lo transmite con la misma naturalidad que la conexión que se produce encima el escenario entre los cuatro artistas.
Juan Gómez 'Chicuelo' es uno de los guitarristas más relevantes del panorama actual del Flamenco y, al mismo tiempo, uno de los compositores más prolíficos e interesantes de las últimas generaciones.
Como guitarrista, ha acompañado a cantaores como Enrique Morente, Miguel Poveda, Duquende, Mayte Martín, Rancapino, Chano Lobato, José Mercé, El Cigala, Potito, Carmen Linares. También ha trabajado con músicos de jazz como Chano Domínguez, Carles Benavent, Jorge Pardo, Jordi Bonell, Raynald Colom, etc., y ha colaborado con la pianista clásica Maria Joâo Pires.
Teatro Axerquía
GREGORY PORTER (7 de Julio)
Conocido por su cálida voz de barítono, Gregory Porter saltó a la fama en la década de 2010 con su estilo de Jazz, Soul y Gospel. Un talentoso cantante de estándares, así como de música Soul más contemporánea, Porter se ha ganado comparaciones favorables con sus ídolos Nat King Cole, Donny Hathaway y Stevie Wonder.
Su primera nominación a los premios Grammy fue con su álbum debut, en el año 2010, titulado, Water. Fue nominado al Mejor Álbum Vocal de Jazz. Después de firmar con la discográfica Blue Note, ganó aún más notoriedad con su tercer álbum, Liquid Spirit, de 2013, que alcanzó el número dos en las listas de Jazz y ganó el Grammy al Mejor Álbum Vocal de Jazz. Aunque sus canciones originales son su enfoque principal, Porter a menudo regresa a sus raíces, como en su álbum tributo, en al año 2017, titulado Nat King Cole & Me.
Nacido en Los Ángeles en 1971, Porter creció en Bakersfield, California, donde su madre era ministra. Fue a través de la colección de discos de su madre que cayó bajo el hechizo de Cole, aprendiendo pronto a imitarlo. Además de cantar, también era un atleta talentoso y dejó la escuela secundaria con una beca de fútbol para la Universidad Estatal de San Diego. Sin embargo, después de que una lesión en el hombro descarrilara su carrera deportiva, se mudó a Brooklyn, donde trabajó como chef mientras actuaba en clubes de jazz locales. Fue durante este período que conoció al saxofonista, compositor y pianista Kamau Kenyatta.
Kenyatta se convirtió rápidamente en el mentor de Porter y le presentó al flautista Hubert Laws. Laws luego presentó a Porter en una canción de su álbum de 1998, Hubert Laws Remembers the Unforgettable Nat King Cole. La hermana de Laws, Eloise Laws, también escuchó a Porter durante las sesiones y lo eligió como uno de los protagonistas del musical It Ain’t Nothing But the Blues, que finalmente debutó de una presentación en Broadway. En 2010, Porter lanzó su álbum debut, Water, con la discográfica Motéma Music. Dos años después lanzó su disco Be Good, y mostró aún más la creciente confianza de Porter.
En septiembre de 2013, Porter lanzó su tercer álbum, Liquid Spirit, y fue su debut en la discográfica Blue Note. Producido por Brian Bacchus, el álbum fue un gran éxito, aterrizando en el número dos en la lista Billboard Top Jazz Albums y obteniendo el Premio Grammy 2014 al Mejor Álbum Vocal de Jazz. También se convirtió en uno de los álbumes de Jazz más reproducidos de todos los tiempos, con más de 20 millones de reproducciones. Su segundo trabajo para Blue Note, Take Me to the Alley, se lanzó a principios de 2016 La innata habilidad de Gregory Porter de transcender géneros y conectar con públicos de diferentes procedencias sociales y musicales, es todavía más remarcable en ese disco, con música Soul, Jazz, Funk y un paso más en su afiliación en desarrollo, con la cultura DJ, en su tema 'Holding On' co-escrito y grabado con las estrellas de la electrónica Disclosure.
También en 2016, Porter entregó el álbum de conciertos Live in Berlin. Al año siguiente, en 2017, lanzó un álbum que rindió homenaje al artista que más había influido en su propia música: Nat King Cole & Me, donde presentó las versiones de Porter de algunos de los clásicos más preciados de Cole, incluidos 'Smile' y 'Mona Lisa'.
El álbum de conciertos One Night Only: Live at the Royal Albert Hall, se lanzó en el año 2018. En el año 2020 lanzó All Rise y en el año 2021 lanzó Still Rising – The Collection.
ARIEL ROT & KIKO VENENO (8 de julio)
Porque los shows con los que Ariel y Kiko recorrerán España presentando Un país para escucharlo serán siempre diferentes: En cada ciudad, en cada plaza, en cada pueblo, los invitados serán otros. Sonarán, por supuesto, versiones de los grandes clásicos de los dos protagonistas ('Me estas atrapando otra vez', 'Echo de menos', 'Dulce condena', 'En un mercedes blanco', 'Salta', 'Volando voy'...), pero también habrá espacio para los grupos y artistas emergentes locales –que se integrarán al espectáculo–, invitados sorpresa y tiempo para compartir con el público anécdotas, historias y relatos sobre las vivencias de los músicos.
Con Ariel Rot y Kiko Veneno en directo, Un país para escucharlo, además de escucharlo, habrá que verlo, vivirlo... ¡y contarlo!
LORI MEYERS + LOS ENEMIGOS (14 de julio)
LORI MEYERS
Grupo esencial del pop independiente español de las tres últimas décadas, Lori Meyers esgrime en sus conciertos un repertorio en el que solo hay espacio para himnos que, con el tiempo, han trascendido entre generaciones. Su directo es una auténtica demostración de poderío escénico y comunión con su fiel público, en el que repasan algunas de las canciones-estandarte que atesora su amplia discografía, que ya cuenta con siete álbumes.
LOS ENEMIGOS
Con 'Bestieza' (2020), su último álbum hasta la fecha, Los Enemigos volvieron a confirmar esa condición de grupo en permanente estado de gracia, ajeno a cualquier capricho coyuntural o al dictado de las modas. El cuarteto madrileño lleva casi cuatro decenios colocando alto el rasero del mejor Rock de guitarras en castellano. Y en sus conciertos, gozosa conjunción de extrema lucidez lírica y voltaica precisión musical, no hay tregua: todas las canciones que interpretan –ya sean recientes o con solera– ya son hitos de nuestra cultura popular.
ARDE BOGOTÁ + LEÓN BENAVENTE (15 de julio)
ARDE BOGOTÁ
Tras recibir varios reconocimientos en su primer trabajo llamado La Noche (Sony Music 2021), transmitiendo los claroscuros de sus aspiraciones y decepciones generacionales con un espectacular imaginario de vinilos agotados, permanencia en listas destacadas, seguidores entusiastas y salas de conciertos desbordadas por todo el territorio Español, Arde Bogotá presenta ahora una declaración de intenciones donde solo ellos conocen los límites con un nuevo disco y un nuevo show de directo.
El viaje comenzó con su todopoderoso 'Antiaéreo', que les hizo pisar fuerte y entrar sin miramientos en el ojo del huracán y llamar la atención de la Industria musical nacional. El Tiempo y la Actitud ( Sony Music 2020), EP de cinco temas, fue el inicio de su aventura, una colección de canciones, producidas en periodo de confinamiento, por el productor y guitarrista, Lalo GV, y un concepto, que se mueve desde la seducción a la rabia, pasando por la irreverencia y las declaraciones de amor.
Con la salida de su primer álbum, La Noche (Sony Music 2021), vuelven a reivindicar los claroscuros de su generación, nuevamente con la producción de Lalo GV, para meternos de lleno en la historia de una noche en la que todo puede pasar. Un álbum debut que tras ha recibido varios reconocimientos, como la nominación en los Premios Odeón 2021 y 2022, como grupo revelación Rock o resultar ganadores a Mejor Álbum de Rock en los Premios de la Música de la Región de Murcia. Un disco que les llevó a una gira de más de 86 conciertos por salas y Festivales por toda España, con llenos absolutos. Como final de gira increíble, tras entrar en rotación en Radioacktiva Planeta Rock de Colombia con Exoplaneta, un himno por excelencia presentan su directo en el Movistar Arena, de Bogotá, el pasado mes de diciembre, dentro del evento Gingle Bell Rock, para más de 10 mil personas.
El segundo trabajo de Arde Bogotá son las historias de un viaje, el que les lleva y trae por la carretera de Cartagena al resto de España, para hacer Rock&Roll, cuyo lanzamiento se publica en 12 de mayo de 2023. Justo al volver de una nueva incursión en Colombia, coincidiendo con BIME BOGOTÁ 2023. Arde bogotá inicia a finales de mayo, una gira de festivales y salas de conciertos que les mantendrá viajando el resto de 2023 y todo 2024.
LEÓN BENAVENTE
León Benavente nace en 2012 de la unión de algunos de los músicos más reputados y veteranos del panorama nacional; Abraham Boba (voz y teclados), Eduardo Baos (bajo y sintetizadores) Luis Rodríguez (guitarra) y César Verdú (batería). Con su primer disco homónimo, León Benavente (Marxophone, 2013), necesitaron muy poco tiempo para colocarse en los carteles de los principales festivales y abarrotar salas de nuestro país, además de cruzar el charco
En abril de 2016 salió su segundo disco, 2 (Warner Music), trabajo con el que 'los leones' giraron durante un año por todo el país, colgando en gran parte de los conciertos el cartel de 'entradas agotadas', además de tocar en varias ocasiones en Latinoamérica. En septiembre de 2019 llegó Vamos a volvernos locos (Warner Music), el disco con el que entraron en el número 1 de iTunes el día de su lanzamiento y esa misma semana fue el segundo disco más vendido del país. El mes de la publicación de este nuevo trabajo comenzaron una imparable gira en la que agotaron las entradas en la mayoría de las fechas. Además de ciudades de todo el país, también presentaron estos nuevos temas en México o Portugal.
Ahora nos presentan ERA, su nuevo álbum, que habla del final de las cosas y los nuevos comienzos. Tras presentarlo en salas y teatros de todo el país a lo largo de estos meses, ahora ha llegado el turno de los festivales y ciclos de verano, en los que presentan una nueva propuesta escénica.
