Domingo 20.10.2019
Cordoba Hoy

JOSÉ LUIS MUÑOZ. PINTOR

"Con la de artistas que hay en Andalucía, me parece un insulto pagar por el arbolito de Yoko Ono"

El pintor José Luis Muñoz recibe a Córdoba Hoy en su taller-hogar-escuela
El pintor José Luis Muñoz recibe a Córdoba Hoy en su taller-hogar-escuela
"Con la de artistas que hay en Andalucía, me parece un insulto pagar por el arbolito de Yoko Ono"

Nos recibe en su taller, que es también su casa y el aula donde da clases de pintura, en la calle Pintor Palomino, como no podía ser de otro modo. Una casa pensada para ascender (física y espiritualmente) y en la parte más alta crear a gusto, de forma prolífica, con música de fondo llenándolo todo. Todo son referencias al mundo interior de José Luis Muñoz: Cojines con forma del Halcón Milenario o de casco de las tropas imperiales, una estantería al fondo repleta de CDs, muchísimos dibujos suyos enmarcados, el poster que se utilizó para el primer festival cordobés de la cerveza artesanal... Un genio que plasma en su obra y que ahora se puede admirar en la muestra colectiva de 'El Rey Desnudo' en la Diputación. Un genio que no oculta tampoco a la hora de opinar sobre lo mal que van las facultades de Bellas Artes, los culturetas que consideran idiotas al resto, la inutilidad del C3A o la "cagada" de la ultima película de la saga Star Wars en cines. Su taller es extremadamente ordenado...

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Hábleme de su taller. Parece demasiado ordenado para ser de creación.

Sí, la verdad es que no parece el clásico taller. Dentro del mundo de los pintores hay como dos clasificaciones con diferencias entre los más dibujantes y los más coloristas o pictóricos. Se asocia a los más científicos y ordenados con los más dibujantes y por otro lado están los líricos y poéticos, más impulsivos y desordenados, en el caso de los más pictóricos o coloristas. Y no es que sea todo blanco o negro, y habrá quien tire más a un lado o a otro. Pero yo soy más dibujante, y de hecho yo he visto los estudios de todos mis amigos y se ve claramente la diferencia entre unos y otros. Tú ibas por ejemplo al de Emilio Serrano y tenía un estudio superordenador. Él era muy dibujante en ese sentido, y luego mi compañero Castillero, que estamos exponiendo juntos en la Diputación, pues su paleta rebosa de pintura y en el caballete, las fotos están amontonadas... En fin, es un forma de trabajar que tiene cada uno y no es ni bueno ni malo, sino que es simplemente un reflejo de la forma de estructurar tus ideas o tus impulsos.

¿Y es lo mismo para la vida personal y privada? 

Pues yo creo que sí, porque lo que reflejamos cuando creamos en parte siempre hay algo es algo de autobiográfico. Y yo la verdad es que para trabajar a gusto necesito un cierto orden.

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En su curriculum se puede descubrir que tienen mucho influjo del Renacimiento. Su tuviera que elegir a un artista de aquella época, ¿con quién se quedaría? 

Leonardo y Miguel Ángel. Eso si me obligas a quedarme con uno. Pero también me interesa mucho Caravaggio, que es de un estilo también de dibujante y tiene unos frescos en Florencia impresionantes. Pero, quizá, el que más me tira es Leonardo, porque esa mente científica, esos dibujos, esos estudios que hacía constantemente, eso a mí es que me fascina.

"En el mundo de los pintores hay como dos tipos de personas: El m´ñas dibujante y ordenado y el más poético e impulsivo. Eso se acaba reflejando también en los talleres"   

Tiene igualmente un curioso toque Botticelli en su obra, sobre todo en las caras...

También, también. Todo lo que es el Quattrocento florentino siempre me ha interesado muchísimo. Hice un trabajo de investigación de esa etapa y mis técnicas pictóricas parten un poco de ahí, de haber investigado un poco a ellos en esa época y haberlo llevado a los materiales con los que contamos hoy en día. Hablo del trabajo a base de veladuras partiendo de un dibujo en blanco y negro o a grisalla y añadiendo el color poquito a poquito... También el hieratismo en las poses. Me gustan mucho los retratos de perfil, tan propios de Botticelli, y es lo que a mí más me ha influido a nivel estético. Lo tengo como origen para ir pasando de la parte de arte clásico al arte contemporáneo. Y ahí me salgo de lo que son la artes plásticas y me voy ya al cómic, al cine, a la literatura de ciencia ficción....

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Eso se ve en sus cuadros. No en todos, pero sí en muchos donde la parte clásica queda un poco más difuminada en color y de pronto ofrece un pelotazo colorista como para llamar la atención del público.

Sí, como dejando claro cuál es el punto principal de la obra. Siempre me ha gustado poner un acento, y hay veces en que he hecho composiciones mucho más cargadas, pero casi siempre me ha gustado simplificar y que haya un centro de la composición que sea muy centro, muy punto de atención. 

¿Cuantos cuadros habrá pintado en su vida artística?

Pues mira exactamente no lo sé, pero la cifra está en torno a los 700 o así. Ahí incluyo dibujillos de más de 30 años de pinturas y dibujos. Y es que desde primero de Bellas Artes empecé a hacer fotos de todo lo que hacía y a guardarlas. También empece a ponerles números, porque al principio usaba diapositivas y si no era un caos. Y ya cuando empecé el tema digital le puse a los dibujos números para meterlos en una carpeta. Ahora si hago un dibujo y si lo acabo enmarcando o exponiendo pues lo incluyo también.

"A lo largo de 30 años de trabajo habré elaborado unas 700 obras, la mayoría de las cuales he tenido la suerte de haber vendido"

¿Y de eso qué ha acabado vendiendo?

Pues la mayoría. La verdad es que he tenido suerte y tengo poco acumulado. Siempre he pintado para mí, lo que me gustaba, y que si no se vendía que no me diera coraje tenerlo en casa (risas). No pienso en si le va a gustar a alguien en concreto o al jurado de un concurso en concreto. Pienso en si me gusta a mí, por si lo tengo que tener muchos años colgado en mi casa.

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¿Y se ha pintado algo que fuera para usted mismo y que nunca haya pensado vender?

Hay ocasiones en que he dicho esto no lo saco a la venta. Me ha pasado en varias ocasiones pero en los últimos 12 años, en concreto, lo hago mínimo una vez al año. Es que tuve una hija y desde entonces todos los años hago un cuadro en el que ella es la protagonistas. Ésa es mi colección y no sale a la venta. Cuando ella tenga 18 o 20 años, a lo mejor hago una exposición con su crecimiento y mi evolución con mi pintura a lo largo de todo ese tiempo.

¿Ha usado alguna vez sus cuadros para regalar?

Alguna vez he regalado un grabado o un dibujo. Para ocasiones especiales he regalado ya algún cuadro más importante, como cuando se casó mi hermana, pero el grabado es una cosa que tiene mucho éxito como regalo. A mí me compran muchos grabados para regalar y a veces lo he usado para el mismo fin.

"Desde hace 12 años estoy pintando un cuadro anual de mi hija. Eso es exclusivo para mí y quizá acabará en una exposición sobre su crecimiento y la evolución de mi pintura"

¿Cuando acabó la carrera en Sevilla, en 1993, empezó de inmediato a trabajar? ¿Tuvo algún mecenas o alguien que le ayudara a salir adelante?

Más que mecenas, era ir haciendo contactos adecuados. Antes de acabar la carrera, a mediados, ya empecé a exponer y a trabajar de cara a galerías. Tuve la suerte de que un profesor mío, Justo Girón, un pintor bastante conocido en Sevilla, cuando yo estaba en cuarto a él le gustó mucho unas cosillas mías en una exposición colectiva y le habló de mí a la galería con la que él trabajaba en Sevilla, una de las más antiguas de Andalucía con más de 40 años, Haurie. Allí en su 40 aniversario expusimos los 40 pintores que más habíamos expuesto, y le gustó a la galerista, Magdalena Haurie Vigné, y desde que estaba en cuarto comencé a trabajar con ellos y una cosa lleva a otra y te presentan a galeristas de otros sitios y ése fue un poco el arranque.

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¿Sería, por tanto, Justo Girón el que le aportó el primer impuso?

Él me presentó a la galerista. Yo también contacté con la galería Ocre de Córdoba y empecé a exponer con ellos. A partir de ahí, las galeristas comenzaron a apostar por mí, a enseñar mi arte, a llevarme a exposiciones colectivas, luego a individuales. Y así poco a poco. Cuando estaba acabando la carrera y los primeros años tras salir, como no era tan conocido ni tenía hecho un mercado, combinaba la pintura con el diseño de joyería que aquí, en Córdoba, daba mucho trabajo.

"Cuando no era ni muy conocido ni tenía mi mercado hecho compaginé la pintura con el diseño de joyas; trabajé para Francisco Vera o Creaciones Marvy"

¿Y cómo le dio por ahí?

En mi familia hay mucha tradición de joyeros. Desde los primeros años de facultad ya hacía mis pinitos con diseños de joyería en los veranos combinando con los estudios de Bellas Artes y eso me permitió ganar mi primer dinero.

¿Y era rompedor frente a la tradición clásica joyera de Córdoba?

Yo no hacía el diseño clásico típico cordobés. Aprovechando mi formación de Bellas Artes, modelado, dibujo y tal, me especialicé en joyas de más envergadura, como más escultórica en las que metía figura humana y naturaleza... Elementos no tan habituales y más grandes de los que se hacía habitualmente en la joyería cordobesa.

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¿Para quién trabajaba, por ejemplo?

Trabajé para bastantes fabricantes pero los más destacados fueron Francisco Vera y Creaciones Marvy.

¿Lo dejó por alguna razón?

Simplemente porque la pintura fue comiendo terreno al diseño de joyas.

¿Ha plasmado usted en algún libro o en algún ensayo sus descubrimientos en materia de investigación?

No. No he llegado a tanto. Siempre ha sido plasmar directamente lo que averiguaba en exposiciones, que a veces han conllevado un catálogo. Pero soy más pintor que teórico, aunque cualquier creador tiene su parte de teoría, pero es como que siempre me la he guardado para mí para aplicarla en la practica y exponerla. No he llegado tan lejos como para elaborar una tesis sobre lo que me ha llevado a una parte u otra.

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¿Ha algo que haya descubierto y que le haya sorprendido de verdad?

Una vez hice un escrito que no se llegó a publicar, pero me sirvió para justificar mi petición para una beca a la Fundación Botí cuando estaba en mis inicios. Y fue un poco la investigación de las técnicas del Trecento y Quattrocento y cómo eso se puede trasladar a los materiales con los que disponemos en la actualidad. Sustituir el temple al huevo o el temple a la cola por temple acrílico, un tipo de grisalla que ellos hacían a lo mejor yo la he sustituido por el grafito, el óleo desecado o el aceite de linaza que seca mucho más lento hoy en día sustituirlo por resina alquídica... Esa traslación es lo que he llegado quizá a redactar más en serio como presentación para la beca que pedí. Pero ni llegué a publicarlo ni me extendí en exceso.

"Los mecanismos endogámicos tan poco democráticos y tan a dedo que se utilizan para entrar en la Universidad me echaron para atrás la posibilidad de hacer un doctorado"

Pero esas cuestiones habría servido incluso para aplicarlas en las facultades de Bellas Artes.

Sí. De haber hecho yo un doctorado, hubiera sido una buena tesis en un momento dado, y era mi idea cuando estaba en los últimos años: Un doctorado con ese mismo tema. Lo que pasa es que cuando vi los mecanismos para entrar en la Universidad tan poco democráticos y tan a dedo, viendo la endogamia que había dentro, pues decidió que no era lo mío y que no me iba a tirar varios años perdidos haciéndole la pelota a un catedrática para que al final me dieran una clasecita y al final me metan en ese juego de dar clases unos años y no por méritos propios.

Vamos a intentar conocerle un poco mejor. ¿Qué tipo de música le gusta?

¡Huy! Muy variada. Escucho de todo (risas). Me gustan bastante los contrastes. Me gusta la música Barroca. Uno de mis compositores favoritos es Bach. Luego de ahí me paso al Rock duro. Así a lo mejor un día mientras pinto estoy con las Variaciones Goldberg de Bach y otro día me pongo Rage Against the Machine, Marilyn Manson o Led Zeppelin.

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¿Y para los alumnos suyos?

Les pongo bandas sonoras  de cine, que es un poco como la música clásica de hoy en día, que es lo que a todo el mundo le suena un poco y es lo que me aguantan todos (risas).

"Tan pronto pinto con las Variaciones Goldberg de Bach como con Rage Against the Machine, Marilyn Manson o Led Zeppelin"

¿Qué es lo que les traslada a ellos? Supongo que una técnica más que sus propios gustos.

Aunque yo no quiera trasladarles mis gustos es inevitable que algo les trasmita. El punto de partida es enseñarles técnicas, que es lo principal. Pero una vez que un alumno ya lleva tiempo, algunos llevan conmigo de ocho a diez años, ya no se conforman con aprender una técnica, que ya tienen suficientemente asimilada. Y se quedan por escuchar mis consejos en cuanto a concepto o composición, a madurar ideas suyas. Cuando se empieza es técnica y cuando ésta está aprendida los consejos van más allá sobre composición y se establece en clase como un debate sobre lo que se pretende transmitir: Mensaje, conceptos, composición, mezcla de técnicas...

Eso quiere decir que ya han volado del nido y que van a su aire.

Tengo varios que ya han expuesto. Exposiciones muy buenas en las que yo he sido el presentador y me he sentido muy orgulloso de ellas.

¿Por ejemplo?

La última ha sido Bernardo Reyes, que expuso a primeros de año en la galería Studio 52 Juan Bernier y fue un exitazo y ahora está exponiendo en Málaga. 

"Cada dos años organizo una exposición con las obras de mis alumnos en la Diputación y este año expondremos 50 obras en septiembre"

¿Algún otro del que sienta igualmente orgulloso?

Sólo voy a nombrar a Bernardo por no mosquearme con los demás. Te le he mencionado por haber sido el último (risas) y no quiero dejarme a ninguno en el tintero. Pero ahora, en septiembre, se podrá ver en la Diputación una exposición colectiva en el Patio donde estarán todos ellos. Cada dos años organizo una muestra colectiva de mis alumnos y cada uno lleva un cuadro. Llevan el título de 'Del grafito a la veladura', que es donde se engloba un poco mi técnica y la que ellos van buscando en muchas ocasiones. Ahí va a haber más de 50 cuadros y todo lo que se cuece por este taller, desde los que están empezando a los que llevan una década, todos mezclados.

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Y, sin aportar nombres, ¿ve ya a alguien entre los suyos que sepa que va a despuntar?

Sí. Aparte de Bernardo, tengo a un par de ellos a los que tengo que decir ya que vayan preparando alguna exposición. Próximamente también hay una alumna mía, Inma Campos, que va a exponer en Intercaza. El año pasado expuso otra de mis alumnas en el Colegio de Abogados de Córdoba, María Oria, con una exposición preciosa... Van saliendo cosas. Yo soy de los profesores que cuando mis alumnos exponen me siento orgulloso de que aquí haya surgido el embrión de eso y lo cuento y presumo de ello.

¿Se puede vivir de la pintura? Usted sí, pero ¿los demás?

Hasta hace poco se podía más fácilmente que ahora. Antes de la última crisis gorda que hemos tenido a mediados de los 2000 se podía vivir bastante bien y sin problemas, siempre que hicieras algo de calidad y te movieras y tuvieras los contactos adecuados en galerías y expusieras. A partir de esa época, ha pegado un bajonazo en España tremendo. La mitad de las galerías que había, cerraron. Córdoba se ha quedado actualmente casi sin galerías. Está Studio 52 prácticamente como única sala no institucional y para de contar. Pero no funciona como antes sí lo hacía Arte 21 o Carmen del Campo u otras anteriores. Eso ha pasado en muchas ciudades y la cosa está mucho más difícil. Muchos de los pintores hemos buscado el apoyo económico compaginando la pintura con la enseñanza. De hecho, es algo que tiene una demanda. Porque en mis exposiciones me venía gente interesada en recibir clases de técnica. Y me decidí a dar el paso. Además, hoy hay más si cabe demanda de clases de pintura impartida por pintores en activo que hace años, porque se da la circunstancia de que las facultades de Bellas Artes están cambiando muchísimo a peor.

"En las facultades de Bellas Artes se está perdiendo la enseñanza de la técnica; ni los profesores lo enseñan, ni los alumnos, que se creen artistas ya en primer año, lo demandan"

¿A qué se refiere?

Se está perdiendo la enseñanza de la técnica. Hay facultades en las que prácticamente el dibujo podría ser una asignatura optativa. No tienes que aprender a dibujar ni a pintar para acabar siendo licenciado en Bellas Artes.

¿Por qué cree que ocurre eso?

Se han ido jubilando los profesores que nos enseñaron a los pintores actualmente en activo y que en aquella época te enseñaban técnica, a pintar, a dibujar, a modelar y luego cuando terminaras podías crear lo que quisieras siendo lo moderno que uno quiera ser. Pero, al menos, tenías una técnica a partir de la cual empezar a crear a tu manera y a tu estilo. Todos esos profesores se han ido jubilando y la gente que ha entrado nueva, con el sistema que hay en la Universidad tan a dedo y tan endogámico, no sé por qué, pero son personas que se han decantado más por el conceptualismo, por las performance, por la teoría del arte y se ha perdido la enseñanza del dibujo y de la pintura. Ahora llegan los alumnos a Bellas Artes y ya es como si todo valiera y desde que empiezan en primero ya son artistas. Antes se estudiaba y al terminar ya se vería si eres o no artista y hoy en día, desde que están en primero ya se creen que lo son y empiezan a hacer performance e instalaciones que no son otra cosa fácil más que fotocopiar y pegar y no muestran interés alguno, ni ellos ni los profesores, por la enseñanza de la técnica.

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Quizá es que, precisamente, adolecen de técnica y no pueden o no saben enseñarla. Es una excusa.

Claro. Es la pescadilla que se muerde la cola. Es un círculo vicioso. Ni los profesores tienen técnica, ni la enseñan, ni tienen interés por enseñarla, ni los alumnos tienen interés en demandársela. La parte de esos alumnos que sí quieren aprender acaban por apuntarse a clases particulares con pintores en activo que están demostrando con sus exposiciones cómo pintan y que conocen la técnica, cada uno a su estilo. Ya sea en clases como las mías, que son de continuo todo el año, o bien haciendo master de fin de semana o con master class de pintores ya de mucho nivel con cursos de unos días o una semana. Esos reductos son hoy en día los que quedan de verdad para aprender una técnica.

"Cuando en literatura se logran mezclar con maestría la ciencia ficción con la novela histórica llego a flipar"

Entonces son ustedes las nuevas escuelas de arte.

Un poco sí. Yo estoy percibiendo ese cambio.

¿Y las escuelas de Bellas Artes no están un poco con la mosca detrás de la oreja con ustedes?

No, porque ese cambio surge desde su propio interior. En el profesorado.

No quiero usar el término 'fracasar', pero cuando sí empiecen a producirse batacazos, alguien tendrá que poner freno a eso.

No sé dónde va a acabar todo esto. No sé si al final van a tener que cerrar más de una o qué. Desde luego los que salen con esa formación, muchos de ellos no van a tener forma de buscarse la vida haciendo ese tipo de cosas.

Hemos hablado antes de música, ahora le toca el turno a la literatura. ¿Qué lee, si es que le queda algo de tiempo?

Siempre me ha gustado muchísimo leer. Sobre todo ciencia ficción. También me gusta mucho la novela histórica y si se entremezclan ambos ya flipo (risas). Cuando empiezan a meter viajes en el tiempo y está bien documentada la época a la que viajan o cuando al contrario (Isaac) Asimov te escribe una saga futurista pero ves que su conocimiento de la república romana es ingente, es para alucinar. Lo que pasa es que en los últimos años, como tengo poco tiempo, me he enganchado al audiolibro (risas). Cuando estoy dibujando y me pongo a componer cuadros y a desarrollar bocetos e ideas trabajo con música, porque es una parte más mental. Pero cuando el cuadro está ya compuesto y cuando ya está iniciado y hay una fase intermedia en la que estás más como sombreando o aplicando color o cuando la técnica que usas te permite tener la mente un poquito más despejada me conecto mi audiolibro y me da tiempo de leerme todo lo que no me ha dado tiempo a leerme en tres vidas.

¿Y es de los que le da al 'replay' para volver escuchar algún segmento?

A veces sí, para detalles que se ma han escapado.

"En el cómic mi referencia es Enki Bilal, y lo pongo al mismo nivel de Leonardo. Es de los artistas que, junto con el Renacimiento, más me ha influido"

Y, evidentemente, cómic.

Claro. Es de donde vengo. Aunque para eso no hay audiolibro (risas) y lo dejo para las vacaciones.

¿A que tipo de cómic le da?

Mi autor de referencia de siempre ha sido Enki Bilal, un autor francés de origen yugoslavo, que es como mi ídolo y artista de referencia. Además, a un nivel igual al de Leonardo. Para mí tienen la misma importancia. En cuanto a historia, composición, dibujo, uso del color, es, junto con el Renacimiento, de los artistas que más me ha influido. Aparte de eso, Moebius, Carlos Giménez, autores más reciente como Miguelanxo Prado Plana también los leo.

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Hábleme de su relación con el colectivo 'El Rey Desnudo'. ¿Cómo surgió? ¿Quién empezó todo?

La verdad es que no recuerdo exactamente cómo. Nos conocíamos y una de las veces que estábamos en el estudio de Manuel Castillero Noé Serrano y yo hablábamos ya de hacer algo juntos. Otro día con su hermano, José María, lo mismo: A ver cuándo exponemos juntos. Lo íbamos comentando cada vez más por separado y no sé qué día en concreto dijimos tenemos que juntarnos ya. Nos gustaba lo que hacíamos mutuamente y nos gustaban los mismos temas, que veníamos de la ciencia ficción todos, que nos gustaba el mismo tipo de cine y algunas veces hasta íbamos al cine juntos para estrenos de la nueva de la saga de Alien o la nueva de Blade Runer. Y a base de ver que teníamos gustos comunes y que somos artistas plásticos y en cierto modo lo reflejamos en la obra, el paso estaba sólo por dar. Buscamos un nombre y empezamos.

"La intención de 'El Rey Desnudo' es advertir contra los que consideran provincianos y catetos a los que se atreven a criticar determinado arte contemporáneo"

Claro. ¿Y por qué 'El Rey Desnudo'?

En referencia del cuento 'El traje nuevo del emperador'.

Entonces, ¿están ustedes advirtiendo a la gente de algo?

Por supuesto y está claro. La intención es advertir de que en el arte contemporáneo hay mucho traje invisible del emperador, del que dicen que sólo pueden verlo los inteligentes, que los estúpidos no pueden verlo y cada vez que pasaba el rey todo eran alabanzas sin que nadie se atreviera a decir que aquello era una tomadura de pelo. Hasta que un niño se atrevió a decir que el rey estaba desnudo. Es un poco llevar eso a lo que vemos que está pasando hoy en día con el arte contemporáneo.

Es por tanto una advertencia contra el poder creciente de los culturetas de salón.

Culturetas, políticos, gestores culturales, que les vende la moto al público y nadie se atreve a decir que es una mierda lo que les están vendiendo y que no tiene fundamento, pero tienen miedo de quedar de catetos, ignorantes y provincianos.

¿Han hecho algún manifiesto o similar para el grupo?

Bueno, más o menos lo que escribí para la inauguración de nuestra primera exposición como grupo en Córdoba, que está en la Diputación. Quitando lo que sería expresamente dirigida a esa inauguración, el contenido final sí podría hacer las veces de manifiesto.

"No somos profetas en nuestra tierra desde un punto de vista institucional, pero hay que reconocer que el público nos quiere"

¿Y son ustedes profetas en su tierra?

No del todo. No somos de los mimados por las instituciones, por no ser de ese grupito instalado en las instituciones cordobesas y que llevan años y siempre son los mismos. Pero, sin embargo, percibimos que el público de Córdoba sí nos quiere. La verdad es que en ese sentido no me puedo quejar. Me quejo de que a nivel institucional se esté siempre apoyando lo mismo y no se abra a cosas de otro estilo. Ya no por nosotros, sino por otra gente que están también un poco aisladas y sin apoyo. Luego no me puedo quejar, porque cuando expongo en Córdoba a mí me ha ido muy bien, tengo mucha gente en Córdoba que les gusta mi obra, que me quiere, que me compran cosas, que me buscan para las clases. Nuestra queja en general va por las instituciones que están siendo manipuladas por esa élite que se imponen las medallas y dicen ser los críticos de esta ciudad y aquí se hace lo que yo digo y éstos son los que valen y éstos no, porque lo que hacen está pasado de moda y es de catetos, y pintar y dibujar es de antiguos.

Eso me lleva directamente a la siguiente pregunta. ¿Qué opina del C3A?

¿El C3A? (bufa).

¿Está sirviendo de algo? ¿Cree que está llegando al público y que cumple la función para la que se concibió?

Al C3A le veo muchos problemas desde su nacimiento. Para empezar, se ha quedado muy aislado. Eso tenía un sentido cuando iba al lado el famoso Palacio de Congresos y Exposiciones y el Auditorio, que se supone iban a dar mucha vida cultural y social a toda aquella zona. Al caerse el resto de proyectos, se ha quedado como una isla de hormigón en mitad de una explanada. Al otro lado del río y prácticamente incomunicado del resto de Córdoba. Luego en cuanto a diseño, está pensado desde un principio para un tipo de arte, muy de instalación y no tiene una sala pensada para exponer pintura y dibujo desde lo que llamamos desde el punto de vista clásico pintura de caballete. Con eso ya empieza excluyendo a ciertas cuestiones. ¿En programación? Lo inauguras con el arbolito y la escalera de Yoko Ono y... Bueno, prefiero callarme. Te gastas el dinero en que esta mujer te ponga eso y la verdad es que con la gente que hay aquí en Córdoba y en Andalucía partiéndose los cuernos todos los días por crear arte de calidad, a mí me parece un insulto.

Pero el C3A no estaba concebido para ser lugar de exposición, sino más bien de creación.

Si es sólo para crear, te podía haber salido más barato unas naves en Chinales (risas). Si haces un edificio emblemático que cuesta una millonada y que mantenerlo abierto cuesta otra millonada, se supone que es para que vaya el público y rentabilizarlo de alguna manera. Tendían que traer muestras y exposiciones que le aporte más al público. Si es sólo para mirar talleres no tendría sentido.

"Si el C3A está concebido para crear, les habría salido más barato unas naves en Chinales"

¿Cómo lo rentabilizaría usted?

Con una programación de arte y talleres, ambas cosas, pero más atractivas para el público. Ir a ver una escalera por mucho nombre que tenga la que lo ha dejado allí me parece una tomadura de pelo. hay otras muchas exposiciones que la gente ha ido allí y se quedan igual al verlas. El problema es que ya no vuelven, encima de que tienen que trasladarse al otro lado del Guadalquivir ex profeso a ver eso. Se vuelven con sensación de no querer regresar. Por contra, en el Centro de Arte Contemporáneo de Málaga raro es el año que tanto yo como muchos otros amigos y alumnos nos pagamos un AVE para echar un día entero en aquella capital y ver una exposición que ha traído el CAC. Es atractivo y aquí no. Aquí, lo que hacen más bien es espantar al público. Alguien que va, cruza el río, se planta allí, y ve exposiciones como las que ha habido, se marchan y no vuelven nunca más. Lo grave de todo esto es que está pagado con dinero público, de impuestos de esa persona que se ha atrevido a ir y no va a volver más.

¿Piensa, entonces, que tendrían que dar un giro al pensamiento inicial que tenían con el C3A y hacerlo sencillamente más atractivo para un público que sí ve desnudo al rey?

Evidentemente, es lo que tendrían que hacer. Cortar ahora por lo sano, repensar el concepto del C3A y sacarle más provecho, porque es una maravilla de edificio, que no se ha sabido rentabilizar. Es un pozo sin fondo para perder dinero a día de hoy.

Hábleme un poco de su idilio con la saga cinematográfica Star Wars, La Guerra de las Galaxias para los niños de entonces.

(Se ríe a carcajadas). Es simplemente que pertenezco a la generación que fue al estreno de la primera película de la saga de George Lucas y eso supuso un antes y un después en mi vida (nuevas risas). Hoy en día estamos muy acostumbrados a películas del espacio, pero con esa edad no había casi nada, porque '2001. Una odisea en el espacio', de Stanley Kubrick, aunque es más antigua, era una película para adultos. Cuando se estrenó Star Wars yo tendría unos 10 años y no había visto ni '2001', y la primera 'space opera' de calidad de verdad que vi fue ésa. Tú entras al cine y comienza con esa música de John Williams, ese empezar con esa nave y se te queda de por vida.

"He visto la primera película de Star Wars innumerables veces, y los que crecimos con ella ahora exigimos a las nuevas de la saga que estén a la altura de nuestra madurez y no podemos pedirle peras al olmo"

¿Cuántas veces la ha visto?

No lo sé. Innumerables veces (risas). Yo le he pasado el relevo a mi hija y a veces jugamos a poner aleatoriamente un fragmento de cualquiera de las seis películas sin ver la imagen, sólo el sonido, y a ver quién adivina que episodio es.

¿Es de los que piensa que las tres primeras que salieron de esa saga les da mil vueltas lo que vino después?

(Duda). En algunos aspectos. En otros, no. Técnicamente han mejorado. Siguen usando muy buenos diseñadores para las naves y el vestuario, que es apabullante. El principal problema que les veo a las nuevas es que los que crecimos con Star Wars hemos madurado como personas y ahora esperamos que cuando estrenen una película nueva de la saga esté a la altura de la edad que tenemos. Y no hay que olvidar que es cine de aventuras pensado para un público juvenil. No podemos pedirle peras al olmo. Nosotros ya queremos más y que esa película sea más madura. De todas formas tengo que decir que la última ha sido una cagada absoluta, con la princesa Leia haciendo de Mary Poppins o de Superman...

Y usted lo acaba plasmando en sus cuadros.

No siempre, pero hay muchas referencias. Hay guiños por todas partes.

¿Fue usted el primero en hacerlo?

No lo sé. Ha habido muchos pintores que lo han hecho. Durante varios años George Lucas organizó una exposición de pintores conocidos a nivel mundial, aunque es verdad que los que participaban tenían esa obra para esa exposición. Es el caso del propio Enki Bilal que hizo un cuadro para eso, a modo de encargo. Pero nunca me quiero atribuir nada, porque el mundo es muy grande y todo se ha inventado ya. La verdad es que no he visto mucha pintura en mi entorno que haga referencia a Star Wars tampoco.

¿Va a seguir haciéndolo?

Yo podré ir cambiando, pero seguro que siempre para los más avanzados y los frikies de nivel 10, a lo mejor pinto un cuadro que no tiene nada que ver, pero que en una esquina descubren algún detalle con el que digan 'esto se parece a tal cosa', o 'esto salió en tal película'. ¿Quién sabe? Quizá un trozo de nave rota entre vegetación...